МИНИСТЕРСТВО ПРОСВЕЩЕНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ
ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ
ВЫСШЕГО ОБРАЗОВАНИЯ
«ВОРОНЕЖСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ 
УНИВЕРСИТЕТ»

Факультет искусств и художественного образования
Кафедра изобразительного искусства и дизайна

РАЗВИТИЕ ЖИВОПИСНЫХ УМЕНИЙ У УЧАЩИХСЯ ДЕТСКОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ШКОЛЫ
выпускная квалификационная работа бакалавра
направление подготовки 44.03.01 Педагогическое образование, направленность (профиль) «Изобразительное искусство»

Выполнил: студент 
5 курса, заочной формы обучения 
факультета искусств и 
художественного образования 
Ворожбиев Дмитрий Викторович
____________________________ 
(подпись)
	
Научный руководитель:
кандидат педагогических наук, 
доцент кафедры изобразительного искусства и дизайна
Фоминов Виктор Викторович	
Воронеж 2020
Содержание
Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3
Глава 1. Натюрморт как средство развития живописных умений
в процессе обучения академической живописи. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5
1.1. Специфика обучения технике живописи. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5
1.2. История возникновения и развития натюрморта как жанра. . . . . . . . . . . 10
1.3. Виды натюрморта и техники масляной живописи. . . .. . . . . . . . . . . . . . . .13
Глава 2. Методическая последовательность ведения работы 
над натюрмортом в технике масляной живописи . . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . 28
2.1. Замысел, тема и композиция в натюрморте. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . 28
2.2. Технология и этапы выполнения серии творческой работы. . . . . . . . . . . 29
Глава 3. Развитие живописных умений у учащихся 
детской художественной школы . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . 33
3.1. Методика изучения техник в масляной живописи 
с учащимися старшей группы дополнительного образования 
детской художественной школы . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .33
3.2. Разработка плана урока . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .36
3.3. План-конспект занятия по живописи . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38
Заключение . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42
Список литературы . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .44
Приложение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 46

Введение
Ребенок через материальную основу поставленных вещей имеет возможность в выразительной форме отобразить немаловажные направления в его жизнедеятельности, вкусовые качества и образ его среды пребывания, социальное положение собственных родителей, вошедшие в историю события к которым он оказывается в действительности сопричастным, запас сведений, приобретенные им при прочтении книг или же обзоре телевизионных передач.
Через направленный отбор предметов изображения, и их трактовку он выражает свое взаимоотношение с очевидностью, открывает свои понятия и отношение. А именно, натюрморт повышает развитие живописных умений в выбранной для изучения тематике в изобразительном искусстве.
Натюрморт – один из самых интересных состоятельных жанров живописи в изобразительном искусстве. Состоятельность заключается в его больших изобразительных способностях, и заставляет любоваться теми изображениями, которые художник перенес на свое полотно и сохранил перед ним невероятную красоту, которая была поставлена перед ним. Особенности работы над натюрмортом имеют большой смысл для развития и воспитания у ребенка художественного вкуса. Тут можно упростить или же усложнить тему в зависимости от возраста ребенка, от его умений и способностей, которые он достиг на определенном этапе. Это нужно для  того, чтобы достичь точного результата в живописи и заинтересовать его в  последующем творчестве.
В выбранной нами работе мы постарались продемонстрировать способность одного из самых самобытных жанров изобразительного искусства. Изучение этого жанра позволяет развивать познавательные способности в области истории искусств, технике и технологии масляной живописи, формировать художественный вкус. Работа над натюрмортом позволяет совершенствовать необходимые живописные умения, навыки работы с художественным материалом. В этом смысле особенно актуально грамотное построение методики работы с натуры, выделение определенных целей и задач на каждом этапе работы над натюрмортом.
Таким образом, цель работы -  развитие живописных умений у детей детской художественной школы на примере поэтапного выполнения натюрморта.
Объект исследования – натюрморт в изобразительном искусстве.
Предмет исследования - освоение техники и технологии масляной живописи в процессе работы над натюрмортом.
Для достижения поставленной цели необходимо выполнить следующие задачи:
1)	Рассмотреть наиболее важные вехи исторического развития жанра натюрморта.
2)	Рассмотреть основные виды натюрморта.
3)	Изучить особенности техники и технологии масляной живописи.
4)	Изучить особенности композиционного построения натюрморта.
5)	Рассмотреть особенности живописных умений и навыков, методы их формирования.
6)	Разработать методику поэтапного выполнения натюрморта в технике масляной живописи, на примере творческой работы автора дипломного проекта.
Гипотеза исследования – развитие живописных умений у учащихся детской художественной школы зависит от:
- включения объектов и соответствующих им колористических и образных решений в содержание творческих работ;
- расширения арсенала традиционных приемов и создания изображений в жанре натюрморта, которые позволяют использовать различные полутона и оттенки, структуру слоя краски;
- создания серии образов, связанных единой композиционной основой;
- подбора соответствующих средств художественной выразительности, максимально отражающих первоначальное представление художника. 
Глава 1. Натюрморт как средство развития живописных умений в процессе обучения академической живописи.
1.1 Специфика обучения технике живописи.
Развитие живописных умений у учащихся детской художественной школы, необходимо для формирования у детей любви к восхитительному. Иметь художественный вкус, творческое воображение, привить художественные навыки, дать им первую ориентацию в эстетической и художественной культуре - это одна из главных и трудных задач. Изобразительное искусство, а именно, один из самых эмоциональных жанров - натюрмортная живопись, может помочь решить эту проблему.
С помощью живописи у детей можно развить интерес и любовь к прекрасному, развить эстетические чувства и художественные навыки. Перед ними открывается богатство и разнообразие красок окружающего мира, форм и движений. Искусство знакомит детей с новыми для них предметами и явлениями. Преподавание детской живописи несет в себе большие возможности.
Для развития художественных навыков используются различные средства обучения живописи. В частности, техника рисования прозрачными красками. На сухую бумагу наносится очень высококонцентрированный слой краски. Его можно использовать как один, так и разные цветовые тона, следующие друг за другом. Если вы работаете с прозрачными слоями краски разных тонов, то появляется так называемое "оптическое смешение цветов". 
Так же используется для реализации и художественные навыки, используется техника рисования натюрмортов с характеристикой этапов выполнения.
Одной из форм систематической работы по развитию художественных умений считается занятие по сюжетно-тематическому рисунку, основной задачей которого является развитие умственной деятельности и творческого воображения детей. Эти занятия охватывают развития живописных умений и навыков учащихся.
Развитию колористических навыков во многом могут помочь целевые наблюдения, за предметами, которые расположены на постановке, ведь в зависимости от освещения, тона и цвет нашего натюрморта меняется. Также анализ детских рисунков рассматривается как реальный способ обучения, включающий в себя анализ репродукций художественных произведений выдающихся мастеров, а также натюрмортов педагогов.
В современном мире, при развитой конкурентоспособности других учебных заведений дополнительного образования, возникает необходимость постоянно демонстрировать высокий уровень собственной деятельности, участвовать в различных конкурсах и выставках международного значения, побуждает их к изучению новых художественных материалов, современных технологий и приемов работы над ними. Это, в свою очередь, приводит к тому, что приходится организовывать свою работу таким образом, чтобы применять новые методы совершенствования художественного мастерства. На это указывают и нововведения в учебной программе.
Стандартные образовательные программы ориентированы только на преподавание академических основ выполнения заданий и содержат мало материала для развития творческих способностей, не внедряют новые технологии художественного мастерства. Считается, что наиболее успешная стратегия педагога та, при которой образовательная и познавательная атмосфера создается с помощью новых технологий обучения. К ним относятся творческие задания. В период обучения важно опробовать все возможные приемы и методы познания различных техник и направлений живописи. Необходимо также выявить их преимущества, сильные и слабые стороны. Изложив материал в заученных фразах, ученику не дается открытый и легкий путь. Ребенок, поступивший в художественную школу, изначально только горит желанием учиться, внимателен и сосредоточен, готов учиться, но может испугаться, просто "охладеть" к теории живописной грамотности, сложным понятиям и терминам. Поэтому все зависит от преподавателя, как он начнет преподносить материал детям, какие методы будет использовать и какие приемы окажутся в детском арсенале [27].
Чтобы создать любую картину, детям необходимо усвоить и использовать определенные знания умения и навыки. Но простое изложение знаний, без эмоционального настроя, не дает высоких творческих результатов и трудно понять. Успех в обучении зависит от того, насколько эмоционально ребенок реагирует на учебный материал, создает в воображении картинку, которая для него близка и понятлива.
Эмоциональная насыщенность занятий, на которых дети работают с красками и другими материалами, должна быть очень продумана для каждого конкретного случая. Это требует больших усилий от преподавателя при подготовке таких уроков, которые, по сути, часто отсутствуют. Художнику-педагогу необходимо воспитывать у учащихся отзывчивость к тому, какие чувства, настроения способны выразить цвета как таковые, их градации, сочетания. И чем раньше, тем лучше, потому что маленький ребенок эмоционально реагирует на чувствительные впечатления вообще и на цвет в частности. Этому способствует технология «эмоционального настроя». Технология «эмоциональное настроение» включает в себя множество различных приемов активного участия детей в художественной деятельности, таких как: обращение к детскому воображению, пробуждение интереса через игровые моменты, прослушивание музыки, прослушивание художественных текстов, исполнение пантомим и многое другое, что в целом зависит от творческих способностей педагога. Учитель должен выступать в роли актера перед учениками [19].
Новинка обстановки, необычное начало работы, красивые и всевозможные материалы, интересные для детей повторяющиеся задания, возможность выбора и многие другие факторы - это то, что помогает предотвратить монотонность и скуку в детской изобразительной деятельности, обеспечивает живость и непосредственность детского восприятия и деятельности.
В результате применения этой технологии лучше и быстрее осваиваются приемы живописи, развиваются художественные навыки и эти произведения наполняются большим количеством цветовых оттенков. Технология «эмоциональные настроения» развивает у детей воображение и эмоциональную реакцию, раскрывает творческие способности, создает связь между миром чувств, миром цвета и эмоций.
В таком случае, изучение мертвой природы и рост профессионального живописного мастерства являются глубоко взаимосвязанными процессами в формировании художника. Творческий подход к выполнению натюрморта базируется на тех зрительных образах и впечатлениях, которые живописец приобретает при работе с натуры. Только в итоге общения с натурой может появиться вдохновение, созреть замысел композиции. Цветовые оттенки красочной палитры передают в картине гамму чувств, даже без отсутствия сюжетно-тематической композиции. Поэтому в натюрморте особо важна поэтичность восприятия и трактовке к мертвой природе. Натюрморт несет в себе чувственное выражение мысли - в этом его сила и действенность - и потому формирование и развитие художественных навыков средствами живописи особенно эффективно.
Создание натюрморта добавляет опыта в пространственном построении предметов. Нет способа организовать реальность, как в натюрморте. В натюрморте зависит от внешних обстоятельств, света и погоды. Когда вы отправляетесь учиться, путешествовать, появляются новые впечатления, которые нужно обработать и реализовать. В результате получается, что работа над фигурой, остается прежней: в деревне, сидя перед постановкой домашней продукции, художник развивает структуру образа, из которого создается картина. Это еще раз подтверждает широкие возможности живописи.
Детская художественная школа, таким образом, является наиболее успешным, проверенным временем образовательным путем для формирования и развития художественных навыков учащихся. В рамках школы искусств они, с одной стороны, реализуют важнейшие педагогические инновации, а с другой - эффективно используют прекрасные традиции национальных школ. Именно в таких школах возможна плодотворная интеграция искусств, позволяющая ребенку овладеть миром искусства, сформировать и закрепить художественные навыки, создать свой собственный «золотой запас», построить для себя четыре основных «основания воспитания», которые таковы: научиться делать, научиться жить, научиться познавать, научиться жить вместе.
Живописные умения являются эффективными средствами формирования и закрепления художественных навыков у учащихся художественной школы. Натюрморт является источником того, что питает вашу жизненную силу, вдохновляет на сохранение ее богатства и содержит в себе огромный потенциал для всестороннего развития личности. Она пробуждает в нем любознательность, воздействует на органы чувств, активизирует чувственное развитие, создает чувство прекрасного. Не будет преувеличением говорить, что ребенок познает красоту окружающего мира через восприятие предметов, находящихся перед ним.
Она воздействует на эмоции ребенка своими качествами, совершенством формы, разнообразием и изменчивостью цвета, природа пробуждает эстетические чувства. Способствует формированию и выражению эмоционального отношения к предмету природы, следовательно, способствует переносу объектов природы в образы. А стремление передать образы в рисунке ведет к углублению и совершенствованию знаний, художественных умений в представлении о природных объектах.
Для развития художественных навыков в натюрморте используются различные техники, приемы и программы.

1.2 История возникновения и развития натюрморта как жанра.
В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte - "мертвая природа") обычно называют изображение абиотических объектов, объединенных в одну композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины. Он раскрывает понимание красоты, присущее художнику как человеку своего времени [21, с 102].
Натюрморт как отдельный жанр, он появился во Фландрии и Голландии на рубеже XVI века, а в конце XIX века они быстро достигают необычайного совершенства в области передачи различных предметов материального мира [13, с.43].
Протекание и становления натюрморта был более или менее такой же во многих странах Западной Европы.
Как определенный тип или жанр живописи, натюрморт знает свои взлеты и падения в истории искусства.
Сильные напряженные, аскетические произведения Византийской империи, создание бессмертных, монументально-общих, возвышенно-героических образов использовали образы из отдельных сюжетов с необычайной выразительностью. В древнерусской иконографии важную роль сыграли несколько предметов, которые художник ввел в свои строгие канонические произведения. Привнесла спонтанность жизненную силу, а иногда и казавшееся открытым проявление чувства в произведение, посвященное абстрактному мифологическому сюжету.
Натюрморт играл еще большую роль в картинах художников XV-XVI вв. Живописец, который впервые уделил большое внимание окружающему миру, старался указать место, определить ценность каждой вещи, служащей человеку. Предметы домашнего обихода приобретали благородство и гордое значение своего владельца, того, кому они служили. На большом полотне натюрморт обычно занимал очень скромное место: стеклянный сосуд с водой, гладкие серебряные вазы или нежные белые лилии на тонких стеблях, часто ютившиеся в углу изображения [18, с.25].
Когда смотришь на окружающий нас мир, проникая пытливым умом в его законы, завораживающие тайнами жизни, художник в своем искусстве показывает ее более полной и более сложной. Он не только изображает окружающий мир, но и выражает свое понимание, свое расположение к действительности.
История возникновения и эволюции различных жанров масляной живописи является живым доказательством неумолимой работы человеческого сознания, которое пытаются охватить бесконечное многообразие видов деятельности, понять его эстетическое мировоззрение.
Искусство натюрмортов, развитое в XVII веке, определило основные черты этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, говорит об основных чертах, содержащихся в предметах, которые находятся вокруг человека, раскрывает отношение художника и современника, которое показано, выражая свой характер и ёмкость познания действительности. Художник передал материальное бытие вещей, их объем, фактуру, ценность, цвет, функциональный смысл предметов быта, их живое отношение с деятельностью человека [12, с.48].
Вековая роль жанра в целом существовала в Европейской школе вплоть до середины XIX века.
На протяжении веков менялись не только методы и приемы живописного оформления натюрморта, но и приобретался художественный навык, а в процессе этого все более усложнялось и постоянно обогащалось в сложившемся мировоззрение.
В русском искусстве натюрморт появился еще в XVIII веке наряду с одобрением светской живописи, которая отражает познавательный пафос эпохи и стремление к истинному и точному выражению мира. Дальнейшее развитие в русском натюрморте носит эпизодический характер. Ее уверенное увеличение в 1-й. половине 19. века (Ф. С. Николая Толстого, школы А. Г. Венецианова, И. Т. Хруцкого) связано с желанием лицезреть прекрасное маленьким и обыкновенным [8, с.21].
Очаровательность и совершенство предметов домашнего обихода определялись не только их необходимостью, но и профессионализмом их основателя. Натюрморт революционной эпохи победоносной буржуазии отразил пристрастие художников к новым образным его видам и национальности своих соотечественников.
Вековая роль жанра в целом существовала в Европейской школе вплоть до середины XIX века. Но это не значит, что живописцы не ставили перед собой новых целей, механически повторяя выполненные решения.
Не сам объект как таковой, а его различные свойства стали предметом реинкарнации, и через публикацию вновь понятых свойств вещей было выражено их современное приближение к действительности, переоценка ценностей, измерение понимания действительной реальности.
В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюрморт был довольно редким явлением. И только на рубеже прошлого и нынешнего века он возрос в художественном проявлении мировой важности [13, с.56].
Рассвет русского натюрморта приходится на начало XX века. Его лучшими примерами являются: импрессионистические по своему происхождению, но по-разному обогащенное новыми художественными течениями в творчестве К. Коровина, И. Грабаря, М. Ф. Ларионова; мягко играющее на историко-бытовом характере предметов творчества художников "Мира искусства" (А. Головин и др.): романтизированные и остро декоративные картины П. В. Кузнецова, Н.Н. Сапунова, С. Р. Судейкина, М. С. Сарьяна и других художников "Голубой розы"; яркие, пластичные Н. мастера "Бубнового валета" (Петр Кончаловский, И. И. Машков, А. В. Куприн, В. Рождественский, А. В. Лентулов, Р. Фальк, Н. С. Гончарова) с их культом единства цвета и формы и пафосом самого процесса интерпретации натуры. Развиваясь в общем русле искусства социалистического реализма, советский Н. обогащается новым содержанием [35].
Особый интерес к натюрморту в русской живописи начинает пробуждаться в 80-е годы прошлого века. Одно из основных мест здесь принадлежит творчеству И. И. Левитана (1860-1900). Они не большие, скромные по образу. Эти произведения Левитана, по сути, до сих пор остаются традиционными: букеты берутся в отрыве от окружающего пространства помещения, на нейтральном фоне. Смысл здесь ясен и прост: по возможности более убедительно передать неповторимое очарование выбранной реальности. Однако в те годы в работах К. К. Коровина (1861-1939) и В. А. Серова (1865 - 1911) можно было почувствовать новые тенденции.
Характер обновленных тенденций можно определить, как интерес художников сочетать натюрморт-сюжет и живопись - с окружающей средой. "Мертвая натура" выносится на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, ассоциируется с окружающим миром, то есть пейзажем, или наоборот, органично сочетается с интерьером помещения. В натюрморте вы хотите уловить отображение мировоззрения конкретного персонажа, образа жизни, а в конечном счете и его состояния [2, с.34].
Поиск новых вещей в натюрморте был очень разнообразен. Русские живописцы в первой половине XIX века решали проблемы натюрмортов по-своему. Живая подлинность, картины, любящее внимание ко всему, что выражает скрытую жизнь природы, указывает на лучшие произведения того времени.
Рассматривая натюрморты русских художников, мы заметили, как иначе подходили к своей роли, и это видно в характере изображения отдельных объектов [10, с.77].
1.3. Виды натюрморта и техники масляной живописи.
В масляной живописи натюрморта художники стараются показать миру вещи, красоту их форм, цветов, размеров и отразить свое отношение к этим вещам. В то же время натюрморты отражают человека, его интересы, культурный уровень и саму жизнь художника.
Разработка натюрмортов предполагает умение отображать форму различных объектов, используя светотень, перспективу и законы цвета. 
Основной целью натюрмортов является выбор сюжетов, в которых они выражают общее содержание и тему.
Существует несколько видов натюрмортов:
– сюжетно-тематический;
– учебный;
– образовательно-творческий;
– творческий.
Выделяются натюрморты:
– по цвету (теплый, холодный);
– по спектру (сближенные, контрастные);
– по освещению (прямое освещение, боковое освещение, против света);
– по локации (натюрморт в интерьере, в пейзаже);
– по времени исполнения (краткосрочный – «нашлепок» и долговременный – многочасовые постановки);
– по постановке учебной задачи (реалистичный, декоративный и др.).
Рассмотрим натюрморт в нескольких видах.

Натюрморт на пленэре
Натюрморт на открытом воздухе может быть простым, но в то же время сложным. Проблема в том, что при написании натюрмортов возникают различные трудности. Все зависит от художника. [Приложение № 1.1] Он ставит перед собой цель и делает все возможное для ее реализации. Любой натюрморт, где бы он не был, должен быть тематическим, то есть с определенной целью раскрывать какую-то тему.
В природе очень важно сделать натюрморт и внедрить его в окружающую среду. В этом случае натюрморт на открытом воздухе похож на натюрморт в интерьере. При постановке важно учитывать, что натюрморт должен выглядеть со всех сторон, и вы можете выбрать ракурс, с которого он смотрится с захватывающим интересом [1].
Сюжетно-тематический натюрморт.
 Сюжетно-тематический натюрморт предполагает сочетание предметов с темой, содержанием [Приложение № 1.2]. Тематический натюрморт - сложное художественное произведение, с помощью которого можно рассказать об увлечениях, взглядах, мировоззрении владельца предметов.
Учебный натюрморт.
В учебном натюрморте, как и в сюжетно-тематическом, необходимо согласовывать объекты по размеру, цвету, тону и фактуре, выявлять свойства объектов, изучать пропорции и выявлять пластику различных форм [5, с. 57]. 
Учебный натюрморт также называют академическим или, как уже упоминалось выше, постановочным [Приложение №1.3]. Обучение натюрморту отличается от творческого строгой постановкой задач: обеспечить освоение учащимися основ визуальной грамотности, способствовать активизации их познавательных способностей и вовлечению в самостоятельную творческую работу.
В учебном плане по освоению натюрморта необходимо не только анализировать закономерности в композиции изображения, ракурсе, передаче света и тени, а также уметь адаптировать каждое произведение в соответствии с возрастом и способностями той или иной группы учащихся.Неудачно составленные натюрморты, в которых не ставятся задачи, напрямую влияют на качество усвоения учащимися учебного материала и, соответственно, на их успеваемость. Ведь школьникам придется делать компоновку, строить и изображать в цвете [3].
Декоративный натюрморт.
В декоративном натюрморте главной целью является выявление декоративных качеств реальности, создающих обширное впечатление элегантности [Приложение №1.4]. Декоративный натюрморт — это плоскостное изображение натюрморта, в котором нет объёма, нет реалистичности. Предметы имеют стилизованную форму, а вместо света и тени можно видеть орнамент, текстуру и другие декоративные элементы. В художественном училище декоративный натюрморт принято начинать с трансформации и стилизации формы предметов [6, С. 30]. 
Главным принципом решения декоративного натюрморта является преобразование пространственной глубины изображения в условное плоскостное пространство. При этом можно использовать несколько планов, которые нужно разместить на небольшой глубине. Учебное задание по отношению к учащимся в процессе работы над декоративным натюрмортом заключается в том, что выявить наиболее заметное, наиболее выразительная особенность в его декоративной обработке, попытаться представить характер декоративного натюрморта в цветовом решении. Он весьма популярен в школах искусств и художественных училищах. На основе этого задания учащиеся постигают азы декоративной композиции и дизайна [7, С. 69].
В технике масляной живописи имеется не так много приемов, которые можно применять при написании натюрмортов. Используя различные приемы, можно передать структуру объекта, его характер, тепло-холодность, освещение, а также определенное время суток.
В живописи можно выделить такие технологии:
 •	живопись мастихином,
 •	техника мазка (пастозная живопись),
 •	многослойная (лессировочная) техника, 
 •	по сырому,
 •	пуантилизм,
 •	сухая кисть,
 •	техника «а ла прима»,
 •	техника «гризайль».
Давайте поговорим более подробно об этих техниках.
Живопись мастихином.
Мастихин (от итальянского mestichino) - специальный нож или мастерок [Приложение №2], обычно используемый в масляной живописи для смешивания красок, очистки палитры, реже - для нанесения грунтовки и других шлифующих красок на холст. Мастихины обычно изготавливаются из уголка стали или пластика. Они могут быть разных форм и размеров. Мастихин также используется вместо кисти при написании картины, для переноса краски ровным слоем или рельефными мазками [Приложение №2.1]. Так, невероятные картины мастихином ливийского художника Кала Гаджума, работая мастихином, как будто совмещал приемы живописца и скульптора, что отражалось в создании форм, похожих на ограненные камни [Приложение №3]. В результате родилась монументальная техника, имитирующая мозаику ("Сидящий Демон", 1890). Благодаря технике мастихина, в картине М. Врубеля"Сирень" (1900), гроздья сирени словно вырастают из глубин темного пространства и превращаются в фантастические кристаллы, сверкающие в лунном свете.
Живопись мастихином характеризуется яркими естественными красками. При произведении работ такого типа краски практически никогда не смешиваются и наносят краску непосредственно из тюбика на холст. В результате складываются впечатления от применения головоломок. Издалека работа напоминает кусочки или наклейки, нанесенные на холст. Техника работы мастихином совершенно отличается от техники работы кистью, и поначалу это может показаться несколько странным. Примером сравнения может служить бутерброд с маслом. Художник берет на кончике мастихина не так уж много цвета с палитры и использует боковую часть лезвия, чтобы растянуть краску или немного прижать ее к холсту.
При работе с мастихиновой живописью обычно используется масляная или акриловая краска достаточно плотной консистенции (иначе невозможно сохранить нужную текстуру). В начале работы используется самый кончик лезвия, который наносится на холст мелкими точками краски. Затем мастихином сильно проводят в низ, чтобы получить тонкие линии. Чтобы создать текстуру, прижмите лезвие прямо к краске. Различная форма ножа позволяет добиться различных эффектов. Например, мастихин с коротким лезвием им можно воспользоваться для использования угловых движений, при красивом способе письма лучше использовать с длинным лезвием. 
Мастихин идеально подходит для создания конструкции в технике импасто.
Техника импасто.
Импасто - происходит от итальянского слова "impasto" (тесто) - техника росписи в виде густых, сочных накладок цвета для усиления эффекта света и фактуры [Приложение № 3.1].
Техника импасто очень проста и быстра для достижения поразительного текстурного эффекта. Иногда Винсент Ван Гог писал свои знаменитые разноцветные завитки и размазывал густо нанесенную на холст краску собственным пальцем. Он также любил наносить густую неразбавленную краску на холст кистью или мастихином. Независимо от того, что писал Ван Гог, зеленую траву или звездное небо, цвет, использованный необычным образом, стал одной из самых запоминающихся деталей картины. Художник использовал густую краску, чтобы вдохнуть жизнь в предметы, которые он писал.
Техника приема, когда краски наносятся настолько густо, что образуют неровную, почти скульптурную поверхность холста, называется "импасто". Техника импасто интересна не только сама по себе. Такой спонтанный и непосредственный подход к созданию образа позволяет художнику быстро и качественно добиться потрясающего результата.
Акриловые краски считаются идеальным материалом для работы в технике импасто, поскольку они пластичны и могут быть написаны простым нажатием на холст прямо из тюбика. Однако лучше наносить акриловую краску постепенно, слой за слоем, потому что, если вы нанесете ее слишком густо за один шаг, краска может треснуть и упасть с холста.
Одним несомненным преимуществом акриловых красок является то, что они очень быстро высыхают. То есть вам не понадобится много времени, чтобы увидеть результат своего творения.
В технике импасто можно также работать с масляными красками, но пользоваться ими следует осторожно. Как и акрил, масляные краски можно наносить слоями, чтобы получить плотное цветовое пятно, но масляные краски не высыхают так быстро как акрил, поэтому работа грозит растянуться надолго.
Если вы нанесете масляную краску одним толстым слоем, она может высохнуть в течение нескольких дней или даже недель, но нет никакой гарантии, что она не треснет. Рекомендуется наносить плотное цветное пятно масляной краской постепенно, слой за слоем.
Специалисты утверждают, что если делать это правильно и аккуратно, то можно создать удивительно красивую фактурную поверхность холста, которая к тому же способна выдержать любое испытание временем. Густые краски сохраняют форму положенного мазка, с помощью которой они были нанесены, и фактуру кисти. Важным условием успешной работы в технике импасто является определенное владение энергичным, лихим мазком. Чтобы мазок выглядел как можно заметнее, необходимо нанести на кисть как можно больше неразбавленной краски и нанесите ее на холст одним жирным мазком, а затем больше не прикасаться к нему. Форма и размер кисти сильно влияют на внешний вид кисти, к тому же как вы держите кисть в руке. Если нанести краску кончиком кисти и короткими "жалящими" мазками, то краска наносится на холст маленькими крапинками. Чтобы выполнить густой завиток, нужно энергичное движение всей руки. Попытайтесь нанести густую краску на полотно разными мазками, и вы узнаете, каких эффектов можно добиться.
Художники обычно пишут кистью, но одной кисти недостаточно для достижения определенных эффектов. То, что нельзя сделать кистью, можно сделать мастихином, который часто используется для создания грубых текстурированных цветовых пятен. 
Пастозная живопись
Пастозная живопись - это всегда настроение, интенсивность эмоций, яркость красок, энергия кисти [Приложение №4]. В живописи художники используют пастозную технику, чтобы выразить на холсте самые яркие переживания и эмоции. Пластичный и энергичный мазок кисти позволяет художнику точно раскрыть свое индивидуальное видение мира, выразить свежесть и неповторимость созданного образа. Именно техника пастозной живописи позволяет автору выразить в своих произведениях свой темперамент и особую творческую энергию.
Когда художник работает с непрозрачными, грубыми мазками акриловой или масляной краской, он сохраняет рельефный рисунок от следов кисти-это называется корпусная или пастозная живопись. Выполнение этого метода является полной противоположностью лессировке. Если вы используете акрил, то нет никаких проблем с наслоением более плотных слоев краски поверх тонкой глазури. Вы можете полностью покрыть проблемную зону непрозрачной титановой краской. Если для работы над картиной используются масляные краски, то наслоение может вызвать растрескивание слоев краски при полном высыхании.
Настоящее пастообразное покрытие делается неразбавленной свежей краской, поэтому с помощью следов жесткой широкой кисти или мастихина вместо прописывания мелких деталей дается фактурный рисунок.
Смешивание со скипидаром делает краску жидкой и склонной к растеканию. Разбавление льняным маслом дает эффект прозрачности, но оно очень долго сохнет и при нанесении на верхнюю часть другого покрытия может сморщиться. Вот почему пастозная техника живописи требует чистого неразбавленного продукта без расслоения.
  Истоки пастозной живописи относятся к XVII веку. Несмотря на широкое использование лессировки в живописи того периода, элементы пастозности встречаются, например, в работах Рембрандта Харменса ван Рейна. Критики писали, что портрет мастера можно поднять за нос. Но самое широкое распространение пастозная живопись получила в работах французских импрессионистов XIX века.
Техника пастозного письма используется в живописи для написания произведений в стиле импрессионизма и экспрессионизма, в жанрах натюрморта, пейзажа, жанровой живописи и др. Многие современные авторы используют этот прием в своих работах, чтобы сделать свою работу более эксцентричной.
Многослойная (лессировочная) техника.
Лессировочная - многослойная живопись - эта техника живописи основана на нанесении нескольких цветовых слоев. Каждый слой краски должен быть высушен перед нанесением следующего слоя краски [Приложение №5].
Техника многослойной живописи состоит из нескольких этапов: подмалевок, пастозная прорисовка и лессировки. Лессировка -это тонкий, прозрачный слой краски, нанесенный на другие высохшие участки. Эффект лессировки не только меняет цвет, но и придает изделию особую красоту. Прозрачные лессировочные слои краски пропускают через себя световые лучи и отражаются, умножая их световую интенсивность. Но не все цвета подходят для этого вида лессировки. Причиной жухлости может быть только неудовлетворительное состояние грунта холста, так как он вытягивает масло из краски или плохо высыхает. 
Масляные краски делятся на: непрозрачные (белый, кадмиевый, стронциевый желтый); полупрозрачный (большинство цветов Земли); прозрачная лессировачная (сиена, умбра, краплак, ультрамарин, изумрудно-зеленая).
Не стоит делать тонкие лессировки сильно кроющими цветами, в том числе и белым. Все цвета становятся кроющими, если добавить к ним белый цвет. Во всех видах масляной живописи используются техника для лессировки, и в частности для многослойной живописи. Техника масляной живописи основана на сочетании пастообразной (корпусной) прописки с очень тонкими лессировками. Тонкий слой покрытия придает новый оттенок, как от наложения витража. После лессированной обработки можно написать пастообразный рисунок в самых ярких местах, а затем нанести слой лессированной обработки. Она приглушает слишком кричащие тона и обогащает фон. Вы можете использовать имеющуюся цветную краску или использовать смесь прозрачных цветов при её обработке. 
Например, если нанести слой синей краски и дать ему высохнуть, а затем нанести покрытие желтого цвета, то мы получим зеленый цвет. Если снова высушить и нанести слой малиновой краски- получится темно-красный цвет с золотистыми бликами.
Опять же, для нанесения лессировочного слоя краски, для более четкой формы изображения, надо написать светлые блики белым цветом. Свет, проходящий через цветные слои, отражается в слегка измененной форме. Оттенки лессировки кажутся более открытыми, чем оттенки корпусного письма, поэтому они очень подходят для первых планов. Считается, что картины из лессировки теряют некоторую воздушность, поэтому не рекомендуется лессировать небо в работах. Напишите небо очень тонкими штрихами (мазками) с плотным нажимом кисти. Однако будет уместна лессировка неба, если в конце вашей работы окажется, что небо должно быть другого тона. Необходимо помнить, что лессировка высыхает в течение нескольких дней.
Иногда приходится слегка разбавлять цвет, но не стоит делать это все время. Плотные краски разбавляют отбеленным льняным маслом или специальными растворителями. Вы можете купить в специализированных магазинах, а также холст, краски, картон и кисти. Но вы можете сделать свое собственное масло, чтобы разбавить краску. Льняное масло сохраняем в устойчивом положение под действием весеннего солнца в стеклянной банке и храним; отбеленное масло набирает свойства густого лака. Художники в старину чередовали пастообразные прописки с лессировкой; картину покрывали цветными масляными лаками. Лессировка -это очень простая техника письма, используемая для обогащения цвета. Широко используются полулессировки. Они могут быть получены путем случайного наслоения тонких слоев. Вы можете определить места в своей работе, где вы можете использовать полу лессировки. Они получаются путем нанесения тонких полупрозрачных пятен на высохший слой краски. Таким образом, переносятся полутона, которые невозможны при нормальном смешивании цветов. Для рельефной лессировки используют густую неразбавленную краску. Его проводят по зернистой поверхности кистью так, чтобы был виден более низкий цвет. Чтобы избежать закрашивания нижней краски, кисть должна быть полусухой. Использование послойной лессировки в живописи обогащает цвет изображения и создает тонкие переходы цветов и оттенков. Он также служит инструментом, который помогает сделать изображение гармоничным и реалистичным [20].
По сырому.
После некоторого обучения и приобретения кустарного и художественного опыта можно попробовать писать сырым на сыром, то есть нанести краску на предыдущее наслоение, которое еще не высохло [Приложение № 6]. Существует также основное правило: уплотняют каждый последующий слой, и от слоя к слою наносится все больше и больше толстых слоев. Эффект цветной лессированной окраски зависит от преломления света и рефлексов, при этом впечатление не может достичь полного покрытия цветом. Здесь цвета должны быть смешаны в определенные цветовые тона уже на холсте. Для живописи подходят мелкозернистые, плотно сплетенные полотна, а также гладкий лакированный картон и дерево. Так называемые сиккативы (сушильные материалы) могут ускорить процесс высыхания и отвердения слоев краски; их добавляют в разбавители по капле. Обычные консерванты содержат, помимо всего прочего, кобальт. Поэтому следует следить за тем, чтобы при их использовании разбавитель не получал дополнительных веществ, которые могут привести к тому, что он потеряет свою эластичность [16].
Пуантилизм.
Пуантилизм (фр.Pointillisme, буквально «точечность», от фр. point — точка), или дивизионизм — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными (неизолированными) мазками правильной, точечной или прямоугольной, формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта (подразумевается «смешение» на сетчатке глаза зрителя) [Приложение № 7]. Методика позволила добиться визуальных эффектов с помощью точечных или прямоугольных штрихов, за исключением смешивания цветов. При нанесении "точечной" краски, чем меньше штрихов, или точек, пятен цвета, тем больше эффект пространственно-оптического смешения цветов; из этого можно сделать вывод, что в процессе рисования следует учитывать соотношение цветов, так как цвета, расположенные рядом, влияют друг на друга. Поэтому, когда вы начинаете работать над картиной, вы обязательно должны использовать все основные тона одновременно, чтобы вы могли видеть взаимосвязь между ними [11].
Сухая кисть.
Сухая кисть– это графический приём в изобразительном искусстве. Техника появилась сравнительно недавно, в середине 80 годов 20 века. Эту технику начал первый из художников Акоп Торосян. Он был первым, кто работал в этой технике на Арбате. Под словами "сухая кисть" изображается графическая и живописная техника, предполагающая использование масляной краски, которая наносится на холст или бумагу [Приложение № 8].С одной стороны, здесь нет ничего нового, но в отличие от традиционной живописи процесс ускоряется. Эта технология позволяет выделить мельчайшие детали и достичь уровня фотоэффекта. Этот тип живописи может быть многослойным или ламинированным. В многослойной живописи художники используют белую краску. Наложение слоев происходит на высохшую краску, а в конце ее покрывают лаком, так как краска слегка горит. Второй способ - рисунки на бумаге, не требующие специального монтажа, так как масло проникло на поверхность, которая не была заполнена и быстро высохла. Кроме того, можно произвести поправки с помощью резинки. Особую трудность представляет цветная сухая кисть на бумаге. Некоторые смеси цветов и оттенков ведут себя непредсказуемо, и при написании многослойных букв трудно избежать грязных оттенков. Характерной особенностью этой техники в целом является то, что цвет наносится очень тонким, прозрачным и полупрозрачным слоем, практически без связующего материала, крепится к основанию с учетом структуры поверхности [2].
Техника «а ля прима».
Техника «а ля прима» (алла прима), в настоящее время используемая чаще других более чем соответствует задачам изображения "формы в среде", пленэрной живописи с его собственной воздушностью и прозрачностью, мягкостью красок и непосредственностью способом исполнения. Суть этой техники заключается в следующем. Художник стремится выразить в красках все, что он видит в природе: краски, светотень, не разделяя процесс работы на отдельные этапы. В этом случае работа обычно делается "сырой". После первого сеанса художник использует высушенный цветной слой, чтобы восстановить высыхающую пленку, которая появляется на нем определенным образом. Человек, решивший овладеть такой техникой письма, должен приобрести навыки в обоих способах, отдельно или комбинировать их.
Существует несколько способов сохранить слой краски свежим. Незаконченный эскиз ставится лицевой частью к стене в прохладном, но не сыром помещении. Вы можете использовать медленно высыхающий цинк. В другом случае перед началом следующего сеанса пленку на лакокрасочном слое (если она еще не обнаружена) растворяют лаком для живописи (межслойные лаки) или протирают поверхность лакокрасочного слоя кусочком чеснока или лука (Этот метод использовали старые мастера).
Такая предварительная подготовка красочного слоя для последующей работы позволит предотвратить высыхание краски при нанесении ее на невысохший слой.
Обычно роспись в технике "а ля прима" выполняется красками в тюбиках без использования разбавителя. Только в тех случаях, когда консистенция одних цветов значительно гуще других, ее следует разбавить с помощью разбавителя для удобства письма.
При работе с пастообразным материалом художник должен учитывать, что в начале работы слой покрытия не должен быть слишком толстым, особенно в первом сеансе. Избыток краски удаляется мастихином и текстуре письма уделяется следующий сеанс, на котором в процессе завершения обобщения труда показывается самый сильный мазок и краски максимальной силы, где художник выделил наиболее активные красочные акценты мотива.
Еще один способ исполнения картины "а-ля прима" заключается в следующем.
Первоначально холст широко раскрашивают "плотно" разбавляющими красками и наносят жидким раствором, например, подобный акварели. При таком способе письма объемная форма не моделируется, так как целью оригинального широкого и тонкого слоя оформления является определение основных цветовых соотношений и общего цвета массы.
Холст сильно влияет на цвет тонкого слоя краски. Имея это в виду, необходимо использовать качество материала так же, как белая бумага используется при работе с акварелью.
При работе в жидком виде следует постараться сразу же получить правильное цветовое соотношение. Затем вводятся пастозные пятна, освещенные участки предметов прописываются более фактурно (тело), тени наносятся тонко.
Так, в технике "а-ля прима" возможны различные способы нанесения цветов и различные методы моделирования структуры. Но нельзя допускать чрезмерного наслоения цвета, так как в этом случае высыхание слоя краски замедлится и будет неравномерным, что негативно скажется на качестве покрытия.
Техника «гризайль»
Гризайль (Фр. Grisaille от gris-серый) - монохромная живопись, представляющая собой одноцветный рисунок, такие как, черно-белый или коричневато-белый [Приложение № 10]. Этот тип живописи был очень известный в станковой живописи средних веках. Пик его популярности в эпоху Возрождения пришелся на XIV век. Скульпторы использовали светотень в своих предварительных набросках, чтобы передать ощущение рельефа на плоскости. Одним из первых применил эту технику в живописи французский скульптор и художник Андре Бове.	
Гризайль-это индивидуальный вид живописи. Выполняется тональная одноцветная градация тонов. Поэтому в этой технике уместно рисовать барельефы, любые архитектурные или скульптурные части. В технике гризайль учитывается только тон изображаемого объекта, в то время как цвет не имеет значения. Постепенно гризайль вошла в основы обучения прекрасному мастерству. Необходимо овладеть передачей формы, объема, передачей глубины изображения, захватом рассеянного света. Чаще всего для учебных рисунков используются акварель или тушь. Профессиональные современные художники часто используют эту технику в своих работах и пересматривают творческое наследие как западной, так и восточной культуры.
Художественная гризайль - это произведение, задачей которого появляется подтверждение эстетической ценности монохромного значения в живописи [16].

Глава 2. Методическая последовательность ведения работы над натюрмортом в технике масляной живописи.

2.1. Замысел, тема и композиция в натюрморте.
Из практики в художественной школе мы знаем, что учащиеся, работающие над натюрмортами, часто испытывают трудности с передачей объема, фактуры и планирования. Тут нужен не только словарный запас визуальных образов, творческих идей, но и художественные навыки, знания о средствах и способах передачи фактур с использованием различных приемов, умение правильно составить произведение. Поэтому тема: «Развитие живописных умений у учащихся детской художественной школы» является актуальной.
Совершенствование живописных навыков в жанре натюрморта способствует формированию потребности у учеников в самостоятельной творческой работе, преимущественно вне учебных часов, что является необходимым условием индивидуального развития и профессионального мастерства художника.
В преподавании мы всегда уделяли значительный интерес развитию художественно-творческой индивидуальности учащихся на уроках живописи.
Одной из главных задач современного художественного обучения является разработка методов обучения, которые будут способствовать более высокоэффективному раскрытию творческих всех имеющихся возможностей будущих художников, развитию их приемов. Этот вопрос всегда был важен в практике художественного образования, и в настоящее время, по-прежнему, расположен в поле зрения художников-педагогов.
Прежде чем начать работать над долгосрочным натюрмортом, мы фотографировали постановки, небольшие натюрморты и отдельные предметы. 
Прийти с натюрмортом и воплотить его в жизнь нам помогло то, что мы опирались на опыт известных художников, смотрели картины: Елены Базановой - «Фруктовые натюрморты», Дэвида Чифеца - «натюрморт На», А.И. Архипова - «Натюрморт с белой драпировкой», А. Т. Антонов, С.М. Боровикова -  «Белый натюрморт», Е. Карнаух - «На доске гранат», Александра Савеленко - «Натюрморт с гранатом», «Пластиковый натюрморт», «Гипсовый натюрморт» и многое другое. Когда фотографии для написания натюрморта были готовы, мы с моим дипломным руководителем выбрали одну достойную постановку и приступили к её разработке.
Работая над эскизом, мы решили, что нужно показать в работе. На картине натюрморта недостаточно владеть традиционными приемами рисунка и живописи: очень важно, что вы можете показать свое мастерство в различных техниках.  Техника была выбрана не сразу, рассматривались натюрморты известных художников, какая техника в натюрморт больше подходит. После долгой работы над этюдами, мы выбрали те приемы, которые хотел и показать в своем произведении.
Чтобы поставить натюрморт, мы стали искать подходящий реквизит для постановки. Все что нужно было для постановки, находилось дома, остальные предметы - киви, апельсин, хлебцы, бананы и многое другое, можно было купить в магазине. Когда все предметы были собраны, начался процесс создания нашего натюрморта.
Стояли чайные чашки с зеленой каёмкой, апельсин сильно выделялся так как он был самый яркий, на переднем плане лежали конфеты, стоял заварник на заднем плане и маленький кувшинчик с молоком. Стол был накрыт белой драпировкой и готов к чаепитию. Вы можете подумать, стояла цвета золота турка между двух чашек и хлебцы, намазанные сливочным маслом, лежали на тарелочке. С правой стороны лежали бананы, а с левой -  салфетница с жёлтыми салфетками. Все предметы находится на горизонтальной плоскости, и не пересекаются друг с другом, но в то же время предметы дополняют друг друга композицией. Если убрать какой-нибудь предмет, композиция сломается, натюрморт покажется незавершенным.
Когда все уже готово, можно начинать с построения. Во-первых, вам нужно будет рассмотреть постановку с разных ракурсов и выбрать наиболее удачный ракурс, обратить внимание на световые эффекты, то есть, с какого ракурса формы натюрморта выглядят интереснее. Они выглядят более выразительно в боковом освещении. Когда четко видны границы света и тени.
Чтобы узнать, какой формат холста нужен, необходимо подумать, как лучше поставить натюрморт, чтобы он естественно вписывался в вертикальный или горизонтальный формат. Исходя из характера постановок, мы окончательно решили проблему организации предметов.
Альберти писал: «Никогда не берись за карандаш или кисть, пока ты как следует, не обдумал, что тебе предстоит сделать и как это должно быть выполнено, ибо, поистине, проще исправлять ошибки в уме, чем соскабливать их с картины» [14, с.72].
После того как скомпонованная работа была одобрена дипломным руководителем, необходимо выполнить его в техники гризайль и после перекопировать рисунок на холст.
Снова вам необходимо построить натюрморт, легко мы касаемся на бумаге карандашом, намечаем общий характер формы предметов, их пропорции, а также их расположение в пространстве. Используем короткие отрезки полосы для ограничения общего пространственного положения всей группы объектов натюрморта.
Далее вам нужно указать размер каждого элемента отдельно.
Мы формируем форму предметов так же, как и в заданиях по рисованию отдельных предметов. Мы очерчиваем поверхности каждого объекта, как видимые, так и невидимые. Итак, рисунок выглядит как изображение проволочных моделей, то есть прозрачный.
П. П. Чистяков писал: «Первое и главное - нужно обратить внимание на план, пункты, к которым прикасается фигура. Например, следки на полу». Здесь же, в линиях, следует наметить и границы света и тени, чтобы потом их не искать на каждом предмете в отдельности [34].
Технику письма решили выбрать –лессировками. Так как, глядя на натюрморт художника-живописца А.И Архипова, мы заметили, что они имеют гладкую живописную поверхность. Как бы внимательно мы ни смотрели, мы не увидим единственного мазка, оставленного художником, мы не сможем запечатлеть больше одного движения его кисти. Краски на холстах А.И Архипова ведут себя настолько дисциплинированно, что теряют все свои материальные качества и перевоплощаются в изображении полном объёме.
С помощью огромного разнообразия цветов и оттенков художник не пытается выразить свое взаимодействие в непосредственной близости. Основными выразительными средствами являются основной колорит и жесткий свет. Границы каждого объекта точно определены художником с четким контуром, как бы лишний раз подтверждающим вечность и завершенность образа мира [17].

2.2. Технология и этапы выполнения серии творческой работы.
Вот, что представляет собой ход работы. После того как натюрморт был уже перенесен на холст, мы приступили к первому этапу – подмалевку, тональной и цветовой раскладке. На этом этапе важно закрыть все полотно и определить тонально-цветовые отношения, определить все цветовые ритмы. В процессе работы на подмалевке рекомендуется использовать быстросохнущие краски. При использовании лаков используются растворители, которые обеспечивают прочное соединение слоя краски с грунтом и служат основой для дальнейших работ.
На втором этапе, когда будут найдены основные тональные и цветовые соотношения, можно приступать к более подробной обработке деталей. Нанесение красок для росписи производится постепенно, создавая слой за слоем, увеличивая толщину и тон. Нанесите на определенное место краску тонким и ровным слоем, смешанным предварительно на палитре.
Возникнет трудность написание белых предметов на белой драпировке. На самом деле, на основе рисования белым по белому происходит постепенное построение формы наблюдения и воспроизведение тональных значений и теней с использованием специальной палитры теней, тонких различий и разнообразия, что придает готовой фотографии реалистичный вид. Ключевые слова - это, конечно, "тонкое различие" и "разнообразие.
Нам нравится, когда освещение достаточно яркое, но оно создает хороший спектр тонов. Обычно я делаю быстрый нашлепок, чтобы уловить эффект того, как свет формирует объект - это необходимо при выполнении, потому что свет часто может меняться, а вам нужно быстро увидеть тоновой спектр. После можно продолжать лессировкой и прописывать каждый этап постепенно и не спеша. Главное, чтобы каждая прописка была уже высохшая. 
Если на первом этапе основное внимание было сосредоточено на рисунке и общей форме, то при оформлении на цвете и тепло-холодности оттенков. 
После того, как все элементы, что находится на заднем плане, прописаны, делается фон и заодно придаётся воздушность. Далее усиливаются блики там, где они необходимы. На этом работа будет закончена.

Глава 3. Развитие живописных умений у учащихся детской художественной школы.

3.1. Методика изучения техник в масляной живописи с учащимися старшей группы дополнительного образования детской художественной школы.
Для того, чтобы понять, что представляют собой живописные умения, была проанализирована психолого-педагогическая литература по проблеме исследования. Автор исследования пришел к выводу, что живописные умения - это определенный комплекс умений, связанный работой художника, который включает в себя: зрительные умения, то есть умение анализировать изображаемый объект, а так же свою работу в процессе творческой деятельности; умение применять технические приемы живописи; умение вести работу в соответствии с методической последовательностью. Все эти умения тесным образом связаны с определенным уровнем знаниями в области техники и технологии живописи. Большую роль в этом играют знания в области истории искусства, визуальная эрудиция, то есть степень «насмотренности», когда обучающийся знаком с творчеством, по возможности, большего количества мастеров, как прошлого, так и нашего времени. Таким образом, занятия по живописи, должны быть построены так, чтобы ребенок получал развитие сразу по нескольким направлениям. Иначе говоря, в развитии живописных умений необходим комплексный подход.
Занятия живописью являются неотъемлемой частью учебно-познавательного процесса, в котором используются навыки, сформированные в других учебных предметах – пленэра, рисования и композиции. Натюрморт - это главный этап в дальнейшем совершенствования ребенка. Во время урока учащиеся собирают материал, смотрят наглядные пособия, чтобы правильно написать натюрморт, а также изучают и совершенствуют приемы работы с художественным материалом, продолжают знакомиться с лучшими произведениями художников.
Натюрморт тесно связан с рисованием и композиционными программами. При рисовании любых объектов необходимо использовать знания умения и навыки построения трехмерных геометрических фигур: конуса, шара, куба, цилиндра или пирамиды.
При осуществлении визуальных исследований применяются знания основ цветоведения, навыки работы с цветами и умение правильно находить тон и цветовые соотношения.
Перед началом каждого урока учитель должен ставить определенные конкретные цели и задачи, так как в противном случае учеба не будет соответствовать профессиональному и компетентному уровню.
Чтобы показать результат наших наблюдений на холсте, мы должны исключить из изображения дополнительные детали и сосредоточиться на главном.
Вначале новичкам рекомендуется выполнить серию эскизов в одном цвете (техника "гризайль"), так как использование всей палитры на данном этапе обучения становится более трудной задачей. Учащиеся заинтересованы в использовании всех цветов и изображают все одновременно, в результате возникает большое количество открытых интенсивных цветовых пятен в эскизе, цвета «играют» друг с другом, возникает гармоничное сочетание оттенков.
Вам нужно помнить об ограничении цветовой палитры, которая используется в исследовании этюда. Должны остаться только те цвета, которые способствуют решению проблемы без использования всей палитры.  Достаточно 3-4 цвета. Используя опыт, полученный на этапе изучения«гризайли», учащиеся решают те же цветовые задания. Избегая деталей, они ищут тональные отношения. Выполнения небольших эскизов по времени не должно превышать 15-10 минут. После 5-6 быстрых набросков в цвете необходимо отобрать и проанализировать работы с наиболее типичными недостатками, а также интересные находки.
Поэтому, как только будут достигнуты изначально положительные результаты, занятия по этой теме следует прервать или заменить другой темой. Это не означает, что такого рода занятия не должны решаться в будущем. Систематически полезно повторять их на протяжении полного учебного года.
После того как учащиеся овладели основами цветового решения натюрморта, можно переходить к основной цели-освоению приемов. Каждая техника сложна по-своему. Еще в самом начале, выполняя этюды, ребенок формирует какую-то технику. Любую технику нужно осваивать постепенно, потому что не каждый ребенок сможет быстро овладеть ею. В конце выполнения простых этюдных работ по каждой технике учащиеся приступают к выполнению натюрморта с более сложной композицией.
При работе над натюрмортом нужно использовать дневной свет и помнить, что свет частично рассеянный и холодный и не может дать точного цвета так как находится под воздействием солнца.
На занятиях обучающимся ставится постановка, их пишут 8-12 человек возрастом от 10 до 17лет, расположенных полукругом на расстоянии около двух-трех метров от натуры в зависимости от численности обучающихся.
При постановке натюрморта разрешается перемещать предметы на полотне в ту или иную сторону, чтобы предметы не совпадали с другими, и не все стояли на одной линии, так как постановка будет ошибочной.
По окончании дополнительного образования в старшей группе обучающиеся должны уметь:
 •	видеть объекты в одном куске, воспринимать как часть пространства;
см. дизайн отображаемых элементов; 
 •	уметь отображать "жизнь " объектов на плоскости холста с помощью светотени, световоздушной перспективы и планов переноса; 
 •	иметь возможность увидеть всю постановку и выделить основное; 
 •	анализировать дизайн складок и скомканной бумаги, уметь решать их в пространстве; 
 •	уметь детализировать и рисовать небольшие объекты, сохраняя при этом одно целое в изображении; 
 •	уметь передавать фактуру различных предметов: дерево, металл, стекло, береста, сухие цветы, ткань (бархат, атлас, шерсть, лен), рисунки в книге, текстуру плетеных предметов, рисунок на ткани и другое.
В педагогических и психологических исследованиях показана необходимость занятия изобразительным творчеством для интеллектуального, эстетического и творческого развития детей. В работах И. в. Давыдов и. в. Запорожец и Н. Н. Поддьяков, доказали, что дети способны различать существенные свойства предметов и явлений в процессе предметно-чувственной деятельности, устанавливать связи между ними, отражать их в образной форме. Через изобразительное искусство формируют у детей общие методы анализа, синтеза, сравнения и сопоставления, развивают умение самостоятельно находить пути решения творческих задач, планировать свою творческую деятельность. Отсюда вытекает необходимость преподавания не только изобразительного искусства, но и конкретных видов изобразительного искусства, в частности декоративно-прикладного искусства.

3.2. Разработка плана урока
Занятия живописью проводятся один раз в неделю в течение учебного года. Самостоятельная работа осуществляется за счет резервного времени.
Объем учебного времени, выделяемого на занятия живописью, составляет 24-28 часов для выполнения одной работы.
Составление плана урока в учреждении дополнительного образования для учащихся в старшей группе в возрасте от 10 до 17 лет.
№	Тема занятия	Количество часов	
		всего	теория	практика	
	Тема: Сложный натюрморт из разнохарактерных по форме и цвету предметов в теплой и холодной гамме на белой драпировке (24ч.)	24	2	10	
1	Линейно-конструктивное построение. Расположение композиции на холсте	4	2	2	
2	Уточнение по композиции в построение. Начало работы в цветовой гамме.	4	-	4	
3	Применение свойств объекта и цветового единства с помощью изображений	4	-	4	
4	Цветовая работа: передача оттенков взаимодополняющих цветов в интерпретации светлых и воздушных сред.	4	-	4	
5	Достижение целостности изображения. Передача рефлексов, теней и бликов	4	-	4	
6	Завершение работы над натюрмортом. Обобщение, детализация	4	-	4	

Занятия живописью проводятся в форме групповых практических занятий (от 3 до 12 человек в зависимости от численности класса, возрастом от 10 до 17 лет) в специально оборудованном кабинете для занятий живописью, в котором находится все необходимое – мольберты, стулья, стеллажи (шкафы), различные наглядные пособия для выполнения натюрморта.
Одна из тем, по которой я не смогу показать себя как педагог, - это «сложный натюрморт из предметов разных форм и цветов в теплой и холодной гамме». 
Для каждого урока мы готовили план-конспект урока, чтобы детям было интересно и показывали наглядные пособия. Если кто-то не понимал, объясняли им наглядный пример, показывали, как создать и скомпоновать натюрморт в листе, как сделать первую прописку, как передать фактуру с помощью технических приемов.
Самое главное в постановки планировки изображения предметов на холсте. Ребенок сам определится с композицией на листе, так будет выглядеть его работа.
Компоновка натюрморта -это сложная задача, главное помнить некоторые правила закона о композиции:
1. Уметь определять геометрический центр в формате;
2. Рисуя натюрморты, умейте найти свой композиционный центр;
3. Нет необходимости добиваться одинаковых геометрических и композиционных центров.
Переходя к цветному решению, подмалевок необходимо делать с теневыми и темными местами с жидким цветом, это придаст работе насыщенный колорит, что также позволяет писать энергично и красочно полутон и освещенные части. На этапе затенения должны быть раскрыты основные цветовые соотношения. Письмо должно быть свободным и энергичным, с широкими кистями.
Чтобы натюрморт был еще заметнее, рекомендуется использовать живописные инструменты (техники).  Техника письма у каждого ребенка разная, и каждый выполняет натюрморт так, как ему нравиться, но как правило если ребенок учится у вас он и будет поглощать вашу манеру выполнения работы.
В то же время, нужно очень внимательно следить за поверхностными тональными различиями между разными частями: фоном, предметами и цветовыми изменениями формы. 
Наряду с развитием зрительных ощущений, необходимо овладеть техникой выполняемой живописи, соблюдать последовательность, которая обеспечит профессиональное изложение мастерства живописи, создать атмосферу для успешной завершённой работы.
На заключительном этапе, когда изображение перейдет в полный вид, нужно сконцентрироваться на цветовых нюансах, натура теперь необходима как документ, который проверяет правильность цветового решения.

3.3. План-конспект занятия по живописи.
Основная тема: Сложный натюрморт из предметов разных форм и цветов в теплой и холодной гамме.
Передача свойств объекта и цветового единства с помощью изображений.
Дидактические требования	Содержание дидактических требований	
Тема урока	Передача свойств объекта и цветового единства с помощью изображений.	
Тип урока	Комбинированный 	
Цель урока	- развитие у обучающегося способности размышлять объемами в пространстве и видеть сложность окружающего мира через обычные понятия;
- формирование у учащихся знаний, умений и навыков в реалистической передаче природы в живописи.	
Задачи урока	- развитие у обучающихся способности видеть и показывать окружающим мир во всем его многообразии цветовых и тональных отношений;
- используя ресурсы изображений, научить "лепить" форму
- овладеть приемами масляной живописи  
- закрепить основы цветоделения.	
Материалы	Холст, краски, масло льняное, палитра, кисти, мастихин, тряпочка, растворитель, уголь.	
Ход занятий	
Организационный момент	Ознакомление с темой. 
Знакомство с живописными средствами, техниками.
Проверка готовности к занятию	
Знакомство учащихся с новой темой 	На этом этапе живописи моделируется объемная форма всех объектов и передается их освещение. Отдельные штрихи увеличивают яркость красок освещенных сторон.  Цвет теней зависит от окружающей среды. Они выложены прозрачными, но более темными цветами. Каждый штрих, который используется для представления тени, должен быть принят с учетом цвета соседних поверхностей других объектов и других теней с точки зрения цветового тона, насыщенности и яркости.
Затем мы переходим к моделированию разнообразной формы и пространство приобретает более нежные оттенки цвета. Каждый штрих, нанесенный на бумагу, проверяется натюрмортом, попеременно переводя взгляд то на картину, то на природу. Это позволяет узнать, передается ли доля цвета, которая есть в природе. Изображение оттенков в свете, полутени и тени постепенно приводит к нежному моделированию формы, образу пространства и освещения.
При работе над заданием мы будем соблюдать иные ограничения:
 •	мазок кисти не должен быть сухим - он не должен оставаться в процессе движения кисти, соприкасающейся с неокрашенным холстом; 
 •	пока покрытие сухое, мы не ставим рядом с ним пятна - пятна не должны сливаться в сыром виде, а затем приобретать грязный цвет;
 •	краска не должна быть перекрашена после ее размещения. 
Мы стараемся сразу же войти в нужный тон. Если покрытие неправильное, то его не следует ремонтировать, а компенсировать в ходе дальнейшей работы за счет соседних пятен.
Первый штрих помещается в самом темном месте - это сразу задает диапазон тона натюрморта. 
В начале работы не наносите более двух штрихов на один предмет. В этом случае, если одно пятно помещается на освещенную часть объекта, то второе пятно располагается в тени этого объекта.
Сначала мы работаем в середине рисунка, где соприкасается наибольшее количество тональных отношений, и постепенно доходим до краев рисунка. Когда мы делаем первый пассаж, в котором нет штриха рядом со вторым, мы возвращаемся обратно к центру листа. Теперь мы поместим пятна второго перехода рядом с высохшими пятнами первого. 
Покрытие может быть нанесено как по форме, так и по Штриху. На границах фигуры лучше разместить пятно вдоль линии - это поможет сохранить рисунок.	
Подведение итогов	В конце урока мы смотрим и анализируем всю проделанную работу и вместе с учениками подводим итоги проделанной работы. Необходимо обратить внимание на композицию и цветовую гамму.	

Заключение
Развитие живописных умений у детей - это сложный и длительный психолого-педагогический процесс, в ходе которого дети получают новые художественные восхищения, вовлекаются в художественную деятельность, осваивают различные виды художественной деятельности, среди которых живопись занимает большое место. Техника масляной живописи имеет много ценностей на ряду с другими художественными сведениями. Большое внимание в этом случае уделяется натюрморту, поскольку он дает детям широкие возможности для самовыражения собственной личности. Средством такого воспитания и объектов действительности является сама мертвая природа, передавая настроение автора, его отношение к изображению, усиливает фактор развития нравственного воспитания и художественного мастерства.
Масляная живопись основана на связывании пигментов с различными сушащими растительными маслами (ореховое, маковое, льняное, и др.) и различные лаки. Эти связующие вещества позволяют использовать различные приемы и комбинировать их. В других техниках эти приемы могут использоваться только по раздельности. Например, использование красок для тела и прозрачных цветов рядом друг с другом, и один на другом, и в смеси. В то же время масляные краски долгое время не меняют своего внешнего выраженного вида, тона или блеска. 
Натюрморт - это исповедь художника, это состояние, в котором рождается и передается красота расположенного круга натуры или вещей, созданных человеческим трудом. Натюрморты могут трогательно вдохновлять нас. При выполнении натюрморта использование разных техник масляной живописи дает вероятность выполнять творения в уникальном, неповторимом, богатом разнообразном стилистическом решении.
Все это способствует продвижению и взаимообогащению художественного мира ребенка, восприятию цвета, формированию творческих способностей и улучшению настроения!
Итогом проделанной работы является натюрморт, выполненный на холсте форматом 60х80 в технике масляной живописи, 6 методических разработок (форматом 60х40, бумага), дипломная записка объемом 43 стр. с методическими разработками планами и конспектами уроков, с цветными приложениями.

Список литературы
1. Беда Г.В. Введение в теорию живописи: учеб. пособие. Краснодар, 1987.
2. Беда Г.В. Живопись: учебник для студентов пединститутов. М., 1986.
3. Беда Г.В. Основы изобразительной грамоты. М. 1989.
4. Васильев А.А. Живопись натюрморта. Краснодар, 2004.
5. Волков Н.Н. Цвет в живописи. М., 1985.
6. Виппер Б.Р. Статьи об искусстве - М.; 1972.
7. Виппер Б.Р., Проблема и развитие натюрморта. Казань, 1922.
8. Вопросы теории, истории и методики художественно - графических дисциплин. Вып. 4, Хабаровск. 1975 г., с. 75.
9. Всеобщая история искусств - М.; 1972.
10. Выборнова Г. Роль освещения в натюрморте. - Художник; 6.1984.
11. Герчук Ю.Я. Живые вещи - Советский художник; - М.; 1977.
12. Гусарева А.П., Константин Коровин - Советский художник;
13. Глозман И.М., К истории русского натюрморта 18 в., в кн.: Русское искусство 18 века. Материалы и исследования, М., 1968, с.53-71.
14. Зайцев А.С. Наука о цвете и живопись. М., 1986.
15. Иттен И. Искусство цвета: пер. с нем. М., 2000.
16. Кантор А.М. Предмет и Среда в живописи - Советский художник.
17. Коробко Ю. В Постановка глаза на живописное восприятие: монография, Краснодар, 2005.
18. Кузнецов Ю. Западноевропейский натюрморт - Советский художник.
19. Неклюдова М.Г. Традиции и новаторства в русском искусстве конца
XIX - начала XX веков - Искусство.; - М.; 1991.Ю. Ракова М.М. Русский натюрморт конца XIX - XX веков - Искусство.
20. Педагогическая энциклопедия. Москва. 1968г., с 215.
21. Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом - Просвещение, 1982.
22. Ракова М.М., Русский натюрморт конца 19 - начала 20 века, М., 1970.
23. Рощин С.П. Живопись. Основы теории и практики. М., 2008.
24. Рындин А.С. Живопись. Теория и практика. Одесса, 2010.
25. Унковский А.А. Живопись. Основы теории и практики, М., 1980.
26. Художественно-педагогическое и художественное образование в условиях модернизации высшей школы России: история, теория, методика: материалы научно - практической конференции (28-30 сентября 2009). под ред.В.И. Денисенко. Краснодар, Кубанский Гос. ун-т. 2010 530с.
27. Художественно - педагогическое образование и эстетическое воспитание, Краснодар, 2004г.
28. Шитов Л.А., Ларионов В.Н. Живопись - М.; - Просвещение.
29. Штаничева Н.С., Денисенко В.И. Живопись: учеб. Пособие для вузов. М., 2009.
30. Щербачёва М.И., Натюрморт в голландской живописи, Л., 1945
31. Яшухин А.П. Живопись. М., 1985.
32. Василевская Л.А. Специальное рисование: Учеб. пособие для ПТУ. – М.: Высш. шк., 1989. – 127 с.: ил. 
33. Ермолаева Л.П. Основы дизайнерского искусства: декоративная живопись, графика, рисунок фигуры человека: Учебное пособие для студентов- дизайнеров. – М.: «Изд-во Гном и Д», 2001. – 120 с.: ил. 
34. https://infourok.ru/metodicheskaya-razrabotka-na-temu-metodika-raboti-nad-natyurmortom-510922.html
35. https://online-knigi.com/page/106164

Приложение.